Mode Baru Mengkategorikan dan Menyajikan Kerajinan - Pengantar kerajinan pembuatan pameran



Harga
Deskripsi Produk Mode Baru Mengkategorikan dan Menyajikan Kerajinan - Pengantar kerajinan pembuatan pameran

Wacana kuratorial telah menjadi aspek seni kontemporer yang semakin penting selama lebih dari 50 tahun. Pada tahun 1960, istilah Jerman Ausstellungsmacher dan eksposisi façade Prancis diperkenalkan ke dalam bahasa kritis seputar institusi seni. Menurut Paul O'Neill, istilah ini berfungsi untuk menekankan peran baru dari kurator lepas sebagai pembuat pameran kelompok independen berskala besar di luar struktur museum. (2) Dengan ini, sepertinya mode pemikiran baru tentang pameran muncul, dan kurator tersebut mengambil peran baru sebagai 'pengarang' pameran. Kurator terkenal sejak awal wacana kuratorial adalah Harald Szeemann, Walter Hopps, Pontus Hultén dan Seth Siegelaub. Dengan para pembuat pameran independen ini, masing-masing dengan tanda tangan kuratorinya sendiri, 'bentuk pameran' tercermin dan 'diperlakukan sebagai media dalam dan dari dirinya sendiri'. (3)

Pameran Szeemann Live in Your Head: Ketika Sikap Menjadi Bentuk (Pekerjaan - Konsep - Proses - Situasi - Informasi) di Kunsthalle Bern pada tahun 1969, dapat menjadi contoh peran baru kurator ini. Pameran ini terkenal dalam bidang wacana kuratorial, begitu banyak sehingga direkonstruksi di Fondazione Prada di Ca 'Corner della Regina, Venesia, pada tahun 2013. (4) Di sini sejumlah besar karya seni dikelompokkan untuk menyajikan sebuah narasi yang Szeemann telah mengkonseptualisasikan, membuat karya tersebut muncul sebagai berbagi kepentingan dan perhatian artistik dan karenanya termasuk dalam kecenderungan historis seni. Dalam kasus When Attitudes Being Form, bukan hanya memilih karya yang ada, para seniman diminta untuk membuat karya terutama untuk pameran, terkadang menciptakannya di ruang pameran yang sebenarnya (struktur kuratorial ini juga digunakan di beberapa pameran lainnya pada saat itu. ).

Saat membicarakan pameran, sangat penting untuk memahami apa itu pameran. Kata 'pameran' berakar pada terminologi hukum - tampilan bukti di pengadilan. Buktinya bisa terdiri dari dokumen atau benda fisik, misalnya senjata, yang digunakan untuk membuktikan bahwa terdakwa bersalah atau tidak bersalah atas kejahatan yang dituduhkan kepadanya. Bukti yang dipamerkan disediakan bagi dewan juri untuk diperiksa dan dievaluasi, dan dapat memperkuat atau melemahkan pertahanan terdakwa. Berpaling ke pameran seni; karya yang dipamerkan berfungsi sebagai bukti keseluruhan narasi. Aspek penting, menurut pendapat saya, adalah dewan juri yang mengevaluasi objek, dan dalam konteks pameran seni, juri dapat terdiri dari kritikus seni dan / atau publik. Pameran ini bisa dianggap sebagai medium karya seni menjadi bermakna. Dan itu ada hubungannya dengan menghadirkannya ke publik.

Sebelum kurator muncul sebagai agen independen yang mengenalkan narasi individu, narasi dalam sebuah pameran (semacam apa pun) disajikan sebagai kebenaran yang berwibawa. Ini masih terjadi di banyak museum saat ini. Munculnya kurator freelance atau 'kurator sebagai agen bebas', dengan demikian menyiratkan bahwa tidak ada kebenaran mutlak tentang seni, atau dunia, dan bahwa hanya ada saran. Kita juga bisa mengatakan bahwa kebenaran baru dihasilkan melalui curating. Seperti yang dikatakan Mary Anne Staniszewski, 'memilih apa yang termasuk dan dikecualikan adalah salah satu cara di mana budaya diproduksi'. (5) Pameran ini merupakan media yang senantiasa menghasilkan narasi budaya baru.

Bagaimanapun, pameran tersebut bukan media netral, seperti yang ditunjukkan oleh Elena Filipovic. Dia menggambarkan bagaimana pameran tersebut telah menyajikan posisi ideologis yang berbeda, sebagai 'mesin untuk pembuatan makna, teater budaya borjuis, sebuah situs untuk mendisiplinkan subyek warga negara, atau nilai-nilai yang tidak diragukan lagi (waktu linier, sejarah teleologis, narasi master) '. (6) Banyak strategi kuratorial hari ini mempertanyakan gagasan narasi master, sehingga menyajikan media pameran sebagai pernyataan diskursif dalam sejarah pameran yang sedang berlangsung.

Kenetralan
Pertanyaan apakah pameran tersebut adalah media netral menjelang musim gugur yang terakhir sehubungan dengan Kerajinan 2014, sebuah pameran tahunan yang dikelola oleh Asosiasi Seni dan Kerajinan Norwegia. Pameran ini diadakan di KODE - Museum Seni Bergen, dan mendapat pembedaan dengan mendorong perdebatan tentang hubungan antara desain pameran dan karya seni. Ruang pameran ditutupi dengan penandaan yang dibuat oleh seniman grafiti lokal. Inilah ide perancang pameran, karena pertunjukan tahunan tidak dikurasi. Sebagian besar kritikus menghina Kerajinan Tangan 2014, dengan alasan bahwa karya tersebut harus berjuang dengan desain pameran untuk perhatian pemirsa; Mereka merindukan pengalaman karya seni yang bagus karena ekspresi brutal yang memberi tag.

Tampilan instalasi, kerajinan 2014 di KODE - Museum Seni di Bergen. Di depan: Therese Hoen: Saya telah membaca bahwa terlalu banyak bepergian adalah buang-buang waktu, 2013/14, di tengah dari kiri ke kanan: Ingjerd Mandt: Terrin I & II, 2014, Sofia Koryfilis: Bare bøy, 2014, Magrete Loe Elde: Tøy I, II & III, 2014, di belakang dari kiri ke kanan: Hanne Øverland: Under-Inni, 2014, Kirsten Opem: Uten tittel, 2013, Gitte Magnus: Biedermeier og polkagriser, 2014. Desain pameran: Morten & Jonas. Foto: André Gali

Øystein Hauge, kritikus seni di koran lokal terkemuka, Bergens Tidende, menulis dalam ulasannya bahwa 'Bingkai ini dalam bahaya membuat segala sesuatu yang kita lihat tampak bodoh'. (7) Kritikus seni Sigrun Hodne, menulis untuk Morgenbladet mingguan nasional, mengikuti Hauge dalam antipati terhadap desain pameran, yang menekankan bahwa sebagian besar karya itu hebat, seandainya mereka tidak dipaksa bertempur dengan lingkungan visual yang mengerikan itu. Dalam ulasannya 'Craft in Battle', dia menulis: 'Saya akan mengatakan bahwa desain pameran mengejek sang seniman'. (8)

Sebagai semacam penutupan kontroversi, kritikus seni Erlend Hammer menulis dalam ulasan 'Design Boost' di Kunsthåndverk 4/2014, bahwa tidak mungkin untuk mengabaikan fakta bahwa 'pameran ini ditandai dengan apa yang dapat disebut konfrontasi, intervensi model kuratorial (9)

Hammer, seperti banyak lainnya, baca desain pameran sebagai pilihan kurator. Bukan, tapi fakta itu mungkin tidak banyak menimbulkan perbedaan karena banyak seniman, kritik dan kurator sepertinya mengharapkan, dan mengantisipasi, pameran kerajinan itu harus meletakkan karya-karya itu di tengah perhatian dan mengecilkan lingkungan sekitarnya. Hal ini tampaknya merupakan cara umum untuk melihat pameran kerajinan; Benda kerajinan harus dipaparkan di kubus putih (seharusnya netral), atau mengikuti logika museum seni dekoratif, di kaca vitrines dan di plinth. Dua mode pendamaian dan penyajian yang dominan ini jarang ditantang oleh pameran spektakuler atau kurator tanda tangan. Menurut pendapat saya, pameran kerajinan menderita dari gagasan bahwa tidak ada curato, atau ada cara kurasi dan penyajian yang hampir netral. Objek ditampilkan sebagai fenomena tunggal dengan sedikit atau tidak ada hubungannya dengan objek lain. Hanya untuk tingkat kecil adalah pameran yang dibahas sebagai 'objek' dengan sendirinya. Juga tidak banyak diskusi tentang pameran sebagai media, bagaimana komunikasi atau apa yang dilakukannya.

Seperti yang dikatakan Elene Filipovic, 'sebuah pameran bukan hanya jumlah karya seninya, tapi juga hubungan yang tercipta di antara mereka, drama di sekitar mereka, dan wacana yang membingkainya'. (10)

Pameran sebagai media
Jika Craft 2014 didefinisikan oleh penentangannya antara objek dan desain pameran, pameran Martino Gamper di Serpentine Sackler Gallery di London, Design Is a State of Mind, didefinisikan oleh kualitas holistiknya. Ini bekerja pada banyak tingkatan, dan ada interaksi yang bermanfaat antara rincian dan pertunjukan secara keseluruhan.

Apa yang Gamper lakukan, seperti yang dia katakan pada Wallpaper, (11) hanya untuk menunjukkan 'hal menarik yang dikumpulkan oleh orang-orang yang menarik di rak yang menarik'. Dia memilih banyak rak berbeda, banyak dari mereka satu kali, mulai dari desainer seperti Franco Albini, Ettore Sottsass, Ponti, Andrea Branzi, Michele De Lucchi dan Vico Magistretti, Charlotte Perriand, Alvar Aalto untuk Artek, Vitsoe dan Ercol. Dia juga memasukkan beberapa raknya sendiri dan beberapa dari Ikea. Di rak-rak ia meletakkan koleksi benda-benda yang dipinjam dari 'teman, teman teman, tutor dan siswa' - orang-orang yang Gamper kenal adalah 'penimbun benda inspirasional yang tidak biasa'. (12)

Martino Gamper, tampilan instalasi, desain adalah keadaan pikiran. Kiri ke kanan: Ignazio Gardella: Bookcase 1970, Kayu, logam dipernis hitam. Atas permintaan dari Nilufar Gallery. Objek milik Mats Theselius. Andrea Branzi: Dinding rak buku 2011, Toulipiè, kristal. Atas permintaan dari Nilufar Gallery. Objek milik Daniel Eatock. Osvaldo Borsani: L 60 1946, Logam, jati. Atas permintaan dari Nilufar Gallery. Benda milik Rupert Blanchard. Michele De Lucchi: Montefeltro 2008, bingkai Oak, elemen kenari, minyak biji rami. Atas permintaan dari Nilufar Gallery. Foto: © 2014 Hugo Glendinning

Martino Gamper, tampilan instalasi, desain adalah keadaan pikiran. Kiri ke kanan: Gaetano Pesce: Tak Ada Rak Tubuh Pendek 2002, resin poliuretan berwarna. Atas permintaan dari Nilufar Gallery. Martino Gamper: L'Arco della Pace 2009, veneer berwarna, kayu lapis poplar. Atas permintaan Martino Gamper. Co-diproduksi oleh Museion, Bolzano, Italia dan Pinacoteca Giovanni e Marella Agnelli, Turin, Italia. Giò Ponti: Altamira 1950-1953, Oak. Atas permintaan dari Nilufar Gallery. Claudio Salocchi: Bookcase 1960, Logam, kayu pernis. Atas permintaan dari Nilufar Gallery. Foto: © 2014 Hugo Glendinning

Usahanya yang dihasilkan adalah pengalaman estetika yang menakjubkan dari setiap koleksi benda. Pameran ini menunjukkan kepekaan desainer untuk dipamerkan, dan ini adalah sesuatu yang sering kurang dalam pameran seni dan kerajinan. Gamper menyebabkan pameran itu sendiri menjadi sebuah karya seni - atau mungkin kita harus mengatakan kerajinan tangan, karena memang 'dibuat' dengan baik. Itu bersifat pribadi. Ini memiliki semacam struktur narasi yang bisa ditonton penonton - mulai dari rak sampai rak, dari koleksi hingga koleksi. Rak-rak itu menarik diri mereka sendiri sebagai objek yang didesain secara estetika, dan juga berkenaan dengan konsep colleting, namun hanya terpenuhi oleh barang-barang yang ditempatkan pada mereka. Cara rak diatur dalam hubungan satu sama lain menawarkan banyak cara untuk bergerak dalam pameran.


Konteks adalah segalanya
Tampilan tidak harus memiliki lingkungan statis atau menjadi produk akhir proses kuratorial. Ini juga bisa melibatkan berbagai mode interaksi dengan publik. Hal ini dibuktikan dengan pameran KEMBALI. Semuanya harus pergi! di Museum Röhsska di Gothenburg tahun lalu. Pameran ini dibuat khusus untuk museum oleh perancang busana Ann-Sofie Back, sehubungan dengan dia memenangkan penghargaan bergengsi Torsten dan Wanja Söderberg Prize. Biasanya pemenang hadiah ini menunjukkan presentasi karya mereka secara retrospektif, namun Back memanfaatkan kesempatan untuk membuat 'toko mimpinya' (13) - sebuah toko konseptual dengan berbagai produk yang dibuat khusus untuk pameran dan terkait erat dengan beberapa dari koleksi pakaian yang telah dirancangnya selama ini. Produk ini, yang untuk dijual selama pameran, di mana ditampilkan dalam semacam pengaturan berbagai toko menggunakan estetika dan warna biasanya dikaitkan dengan murahnya.

Anne Sofie Kembali: KEMBALI! Semuanya harus pergi! Foto: Carl Oliver Ander, Röhsska museet

Karakteristik untuk tampilan pameran Back adalah penggunaan poster dengan frase tangkap seperti 'Everything must go' dan 'Only 99 kr', dll. Produk, mulai dari sabun dan kondom hingga kacamata hitam dan tali, dipamerkan bersamaan dengan contoh pakaian utama dari beberapa Koleksi belakang Seluruh toko itu dibingkai oleh struktur grid logam tembus pandang yang membedakan ruang pameran Back dari museum lainnya.

Tampilan murah toko itu, yang diperkuat oleh tampilan dan promosi produk sebagai barang murah, berlawanan dengan logika mode yang terkait dengan nama merek (dalam hal ini Back), dan dengan logika budaya yang memperlakukan museum sebagai tempat yang tinggi. budaya. Secara konseptual, pameran Back menantang dua gagasan tampilan: tampilan mode yang kita harapkan bisa dilihat di toko-toko mewah dan di jalan kucing, dan jenis tampilan yang kita harapkan bisa kita lihat di museum. Melalui sistem tanda berganda, pameran ini meruntuhkan konvensi display dan menekankan bagaimana pembingkaian produk - seperti sabun, fashion atau karya seni - penting untuk nilai budaya dan ekonomi dari produk tersebut.


Berpikir tentang bagaimana menyajikan seni kepada publik
Pameran yang agak tidak biasa yang menantang gagasan pembuatan pameran dan menjadikan media pameran sebagai sorotan adalah pertunjukan tahun 2014 bagi siswa yang mendapatkan gelar Master of Visual Art di Oslo National Academy of the Arts (KHiO). Judul untuk pameran ini adalah sebuah kalimat yang dipinjam dari buku Michel Foucault The Order of Things: Arkeologi Ilmu Pengetahuan Manusia. Foucault mengacu pada teks oleh Jorge Luis Borges yang menantang gagasan taksonomi. (Seperti yang saya mengerti, ini dimaksudkan sebagai analogi untuk diskusi di dalam bidang kerajinan, tentang bagaimana mendefinisikan apa yang sedang dilakukan):
[A] 'ensiklopedia Cina tertentu' yang di dalamnya tertulis bahwa 'hewan dibagi menjadi: (a) milik Kaisar, (b) dibalsem, (c) jinak, (d) babi yang mengisap, (e) sirene, f) hebatnya, (g) anjing liar, (h) termasuk dalam klasifikasi ini, (i) hiruk pikuk, (j) tak terhitung banyaknya, (k) digambar dengan sikat unta halus, (l) dan sebagainya, (m) memiliki hanya patah kendi air, (n) yang dari jauh terlihat seperti lalat '. (14)

Pada awal tahun ajaran 2013/14, kurator lepas Marianne Zamecznik - disewa oleh KHiO untuk menghadiri pertunjukan wisuda bagi siswa Master di bidang yang kemudian dikenal sebagai departemen Seni Rupa (15) - meminta para siswa untuk membayangkan apa yang paling sesuai mereka. Pertunjukan kelulusan akan terlihat seperti: apa yang akan melayani proyek mereka dengan sebaik-baiknya dalam hal tampilan? Dia kemudian meminta mereka untuk menyadari pertunjukan itu. Setiap siswa membuat proyek individualnya selama tahun ajaran dan memiliki pilihan untuk menciptakan model bagaimana memamerkannya dan memfasilitasi pengalaman publik tentang hal itu, atau untuk menindaklanjuti dan menyajikan karya sebenarnya kepada publik. Para siswa tidak perlu melakukan pameran kubus putih, dan beberapa memilih tempat tertentu untuk mempresentasikan proyek mereka. Seorang siswa mempresentasikan rap pertempuran di bar jazz avant-garde Blå, yang lain berkolaborasi dengan sebuah gereja, meminta pendeta tersebut untuk mendiskusikan karyanya dalam sebuah khotbah. Yang ketiga memilih untuk menguratori dua pertunjukan - satu di apartemennya yang dikosongkan, yang lainnya di toko desainer. Dan seterusnya.

Dengan cara ini, para siswa dipaksa untuk tidak memikirkan hanya tentang menciptakan pekerjaan mereka, tapi juga tentang tampilan, presentasi, tempat dan bagaimana mengaktifkan masyarakat untuk mengalaminya. Pendekatan ini mengaktivasi gagasan bahwa sebuah karya seni pertama kali jadi begitu bila dipamerkan atau dipresentasikan kepada audiens.


Pameran sebagai avatar
Ketika pertunjukan gelar siswa akhirnya dibuka di ruang galeri KHiO sendiri pada bulan Juni 2014, apa yang dipajang bukan proyek asli, tapi semacam menceritakan kembali proyek yang telah mereka buat selama tahun ajaran. Retellings atau representasi Zamecznik ini disebut 'avatar'.

Kata avatar mungkin paling dikenal dari film Hollywood Avatar (2009). Di dalamnya, seorang tentara manusia pergi ke planet lain dan mengasumsikan bentuk makhluk asing sebagai sarana untuk menyusupi spesies itu. Meskipun kata akhir-akhir ini telah digunakan untuk merujuk pada dunia maya - yang berarti representasi virtual orang sungguhan - ini berbeda dengan makna kata aslinya. Dalam bahasa Sanskerta, avatara adalah manifestasi dari dewa Hindu yang telah turun ke bumi, menjadi berinkarnasi baik dalam bentuk manusia maupun hewan.

Pameran tersebut tampaknya sesuai dengan dua makna: sebagai konsep yang muncul dalam kehidupan atau terwujud (sejajar dengan tuhan menjadi duniawi), dan sebagai kenyataan yang menjadi konseptual / virtual melalui representasinya. Terlepas dari bagaimana seseorang memilih untuk menafsirkan konsep avatar, pameran tersebut membahas pertanyaan kompleks tentang representasi, tampilan dan taksonomi kerajinan kontemporer.Baca juga: plakat wisuda
5 24
Copyright © 2015. OKEbutik Template Allright reserved.